長年活躍於日本流行音樂圈的音樂製作人野間康介，從作曲、編曲、音樂製作到現場演出，都能看見他的身影。2002 年以藝人身分主流出道，2007 年加入日本音樂製作團隊 agehasprings，陸續參與 YUKI、柚子、CNBLUE、KEYTALK、LiSA、Aimer 等音樂人的歌曲製作與編曲工作。
除了錄音室裡的創作，野間康介也長期參與現場演出，擔任 LiSA 的現場音樂總監，並自 Aimer 出道以來持續擔任其巡迴樂團的 Bandmaster（樂團統籌）。從錄音作品到舞台上的聲音呈現，他始終思考如何讓音樂在不同環境中，展現出最適合的樣貌。
近年來，野間康介持續與不同背景的音樂人合作，也對過去曾因工作多次造訪的台灣抱有濃厚興趣。這次我們特別訪問野間康介，從他與 LiSA 的創作日常、不同地區音樂人的合作經驗，聊到他對音樂製作人角色的看法，以及未來與台灣音樂人合作的可能性。
── 你長期和 LiSA 合作，從歌曲製作到現場演出都有參與。你們平常一起創作時，通常是怎麼開始的？
野間康介：LiSA 來我們工作室的時候，常常一開始真的就只是來玩、聊天。可能聊最近的巡迴怎麼樣、之前那首歌怎麼樣，也會聊最近看了什麼電影之類的日常話題。然後聊著聊著，她可能突然說：「說起來，我最近有點想做歌，有一種這樣的歌我滿在意的。」
那我就會說：「那要不要去錄音室？」
我們工作室二樓就是錄音室，所以就一起上樓。我先彈鋼琴，讓她用哼唱的方式唱，錄幾個 Take，再一起聽哪一段旋律好。接下來可能會說：「這裡如果這樣改呢？」、「和弦改成這樣呢？」、「節奏要不要換成這樣？」慢慢把歌做出來。我們滿常用這種方式創作。
── 第一次和不熟悉的音樂人合作時，你通常會怎麼開始？會先透過聊天了解對方，還是直接進入音樂創作？
野間康介：我其實不是那種第一次見面就能馬上打開心、聊很多的人，所以我覺得最快的方法，反而是「用音樂對話」。
音樂一開始之後，就會知道這個人的感覺。生氣、開心、難過，這些東西全部都會出現在和弦、旋律、歌詞裡，唱歌的強弱也是。聽到那些東西之後，就會覺得這個人一路走過來的人生，某種程度都已經放在裡面了。所以第一次見面可能只是很簡單地打個招呼，但一起進錄音室、一起做過一次音樂之後，距離反而會突然變得很近。
以前我有時候也會先聽很多對方過去的作品，不過後來發現，不知道太多，直接在那個場合用當下的感覺去做，反而常常會得到比較好的結果。所以最近比較傾向這樣。
── 如果對方已經帶著完成度很高的 Demo 來找你，實際開始製作之後，你還會大幅修改原本的內容嗎？
野間康介：會。有些人來的時候，連節奏都已經放進去了，整首歌大概完成的樣子也很清楚，只是希望我再幫忙進一步調整。可是實際開始做之後，可能會覺得「這個間奏再長一點是不是比較好？」、「前奏真的需要這麼長嗎？」、「第二段這裡的副歌是不是可以再改？」
大家會一直討論，編曲也會一直變，有時候甚至連旋律都會改。對我來說，去聽藝人自己先做出來的東西，也有一種「看進對方腦袋裡」的感覺，所以我很喜歡。
── 有些音樂人不一定會用專業術語來描述聲音，而是透過「更明亮一點」、「像玻璃一樣」這類比較感性的說法來表達。遇到這樣的情況時，你會怎麼理解對方想要的聲音？
野間康介：一開始會先請他們用畫面或者文字去形容。例如「很明亮，但有一點尖銳」、「很明亮，但像玻璃一樣」，從這些描述裡，我會先在自己的腦中把它轉換成聲音，再做出來給對方聽。接著他可能會說「再更接近這個方向一點」，就這樣慢慢靠近。
同時我也會去理解這個人喜歡的是什麼文化，像 Techno、Alternative、Grunge、Rock、Blues，不同音樂背後都有自己的文化。我會一邊理解他喜歡什麼，一邊把他自己使用的那些獨特詞彙，在我的腦中做成一本字典，再把它翻譯成聲音。Reference 也是一樣，我不會照著裡面的節奏或吉他樂句去做，而是只抓它想傳達的方向和感覺。
── 你曾經和日本、韓國的音樂人合作。從自己的經驗來看，兩地在製作流程或溝通方式上，有什麼比較明顯的差異？
野間康介：日本通常會先討論大概想做什麼樣的音樂、最後想走到哪裡，再開始製作。不過真正做下去之後，會一邊和藝人、工作人員聊天，一邊持續討論，方向有時候也會跟著改變。例如可能會問：「還有沒有什麼方法可以讓它更好？」或者「還有沒有什麼元素可以再加進去？」比較像是在製作過程裡一起慢慢把作品建立起來。
但我和韓國藝人合作時，通常一開始就已經非常明確。他們會直接告訴我：「我們想做這樣的東西，所以希望聲音是這個方向。」需求很清楚，我們就是先回應這個明確的要求，再從裡面提出自己的建議。有時候他們也會拿日本的歌曲當 Reference，像是「想做成這個樂團的這種聲音，應該怎麼做？」我們就從那裡開始討論。
── 現在愈來愈多音樂人已經能獨立完成整首作品，像須田景凪就具備很強的個人製作能力。在這種情況下，製作人還能提供什麼？
野間康介：現在確實有很多人可以一個人完成作品。像須田景凪，他自己就可以做音樂。可是即使一個人可以完成，也可能會開始覺得自己遇到極限，或者想知道新的世界。
他就會把作品帶來我的錄音室，我們一起聽。他可能會問：「這裡還能不能再變得更好？」那我就會告訴他：「還有這種做法。」可能是新的知識、技術，或者某個 Plug-in。他學完之後，再帶回去自己做新的版本。有點像老師，但又不是完全在教課，比較像一起找到新的方法。
── 隨著 DTM、AI 等技術愈來愈普及，音樂製作也變得更加方便。對你來說，現在走進錄音室、實際錄下人演奏的聲音，還有什麼不可取代的價值？
野間康介：我覺得錄音是在留下「那個人在那個時候活著的證明」。
現在大家愈來愈可以自己用電腦完成音樂，再加上 AI，方便、快速的方式慢慢變成主流。但也正因為這樣，我反而覺得「人真的演奏」這件事情的價值，開始重新被看見。所以最近會盡量減少修正，希望把那個人在那一天、那個時間真正發出來的東西留下來。那才是那個人的個性。
── 經過這麼多年的創作與合作，如果要用最簡單的方式形容，你認為製作人最重要的工作是什麼？
野間康介：把藝人的優點引出來。像 LiSA，她每一次唱歌都會不一樣。前面聊了什麼、那天吃了什麼、那天心情怎麼樣，都會讓她那一瞬間拿出來的東西改變。我覺得那就是藝人。那就是藝術。
── 你曾經和 LiSA 一起參與《THE FIRST TAKE》的錄製。那次的編排與錄製方式，和平常製作歌曲有什麼不同？你又會怎麼判斷哪一次演唱最值得留下來？
野間康介：對。那次《THE FIRST TAKE》事前沒有彩排。只先用口頭講大概的編排，而且編排也和 CD 不一樣。例如原本有很長的間奏，也可能直接拿掉。
我只會跟她說：「我這裡大概會這樣彈。」
連真正開始時要用什麼速度，都沒有事先完全確定，就是直接開始。所以那個畫面裡，應該真的留下了我們在很臨界的狀態下，當場互相對話的感覺。
現在和我合作的歌手，基本上已經很少會出現節奏大幅跑掉之類的事情，所以最後比較重要的是表現力。還有歌詞有沒有真的變成「語言」，那一句話有沒有真的想傳給別人。我會用這些東西決定最後使用哪一個 Take。
── 有些製作人會刻意把藝人逼到極限，希望得到更強烈的演唱或表演。你怎麼看待這種做法？自己在錄音時有沒有什麼特別重視的原則？
野間康介：如果那個藝人以後回想起來，會覺得那是一段很好的回憶，那也許可以。但我自己不會。因為藝人之後可能一輩子都要一直聽、一直唱那首歌。就算那首歌最後賣得很好，如果那段記憶對本人來說不是好的，我不會想留下那首歌。
如果我一看就覺得「你今天喉嚨狀況不好吧」，或者「你今天明顯心情非常差吧」，我就會說：「今天不要錄了，回去吧。換一天再來。」
── 除了錄音室的工作，你也長期擔任 LiSA 的現場音樂總監，以及 Aimer 巡迴樂團的 Bandmaster。在製作音源時，你就會開始考慮未來到了現場要怎麼呈現嗎？錄音作品與現場演出最大的不同又是什麼？
野間康介：會，當然會。以前日本的動畫歌曲常常有非常多聲音，弦樂、銅管、鍵盤，還有很多用電腦編排的電子聲響。但最近做 LiSA 的現場時，我們反而愈來愈常做減法。
因為喇叭能夠播放的資訊量其實有限。如果聲音太多，真正重要的東西反而會不見。所以現在會盡量把聲音削掉，只留下真正想讓大家聽見、真正需要的東西。甚至 CD 裡有的聲音，到了現場我也可能會直接拿掉。這樣反而可以讓鼓、貝斯、吉他這些最基本的聲音，骨架變得更厚實，每一個聲音的低頻、高頻都可以更自然地出來。
音源和現場本來就是完全不同的東西。CD 或串流音源，聽的人可以自己決定音量。但現場不是，觀眾沒辦法自己選擇音量。所以在現場，我們是在替藝人決定「這個世界要用什麼樣的音量傳達給大家」。
有時候只剩一把木吉他，有時候突然整團一起進來，有時候聲音很小，有時候又非常大。這些全部都是演出的一部分。我覺得音源是去享受一個已經完成的世界觀，但 Live 是享受那個瞬間。
Live 是「那一瞬間的藝術」，所以每一次都不一樣也沒關係。一首歌做成音源之後，也不代表它就完成了。只要藝人還在繼續活動，那首歌就還會繼續改變、繼續成長。
── 從 Live House、音樂廳到大型場館，不同空間會怎麼影響你的現場音樂製作？你過去曾多次來台工作，對台灣的演出場館又有什麼印象？
野間康介：會，而且差很多。Live House 比較像是享受「直接音」的地方，可以直接感受到樂手、歌手本身的力量，也可以很直接地接收到從音箱裡出來的聲音。
但音樂廳或大型場館就不一樣。那裡的聲音會經過喇叭放大，再透過整個空間反射，從不同方向回到觀眾身上。所以一個比較像是直接接觸聲音，另一個則是用整個空間去感受音樂。
我在看一個場館時，第一個會注意的也是反射，再來會看天花板高度、空間帶來的壓迫感，還有觀眾從不同位置看舞台時的感覺。像林口體育館，我就覺得聲音反射得滿自然，不需要很勉強地去整理聲音。以這個角度來說，我覺得 LiSA 和 Aimer 的音樂，和那個場地滿合的。
── 今年 LiSA 在《TREASURE05X 2026》遇上大雨的那場演出，應該也是一次很特別的經驗。當時發生了什麼讓你印象深刻的事情？
野間康介：對。那時候雨真的很大，甚至貝斯最後壞掉。本來樂器區上面有帳篷，可以稍微躲雨，結果 LiSA 突然自己跑出去，走進觀眾席。
那完全沒有安排，她就是自己突然衝了。我看到的時候想：「這傢伙也太帥了吧。」
然後更厲害的是，其他樂手看到她出去之後，也從帳篷裡走出來。大家明明都知道雨對樂器不好，還是抱著自己的樂器一起出去。
我那時候真的覺得：「這些人是已經準備不要自己的樂器了嗎？」（笑）但同時又覺得，真的很 Rock，非常帥。那就是 Live 才會發生的事情。
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── 如果有台灣音樂人想和你合作，需要先把作品準備到什麼程度？一定要有完整的 Demo，還是也可以從寫歌階段就一起開始？
野間康介：都可以。如果已經很清楚自己想做什麼，那可以直接給我 Reference，或者自己先做了一些編曲的 Demo 再交給我也可以。
但另一種我也很喜歡的方式，是從寫歌的階段就一起做。大家直接待在同一間錄音室，拿著樂器、唱著旋律，一起把歌寫出來。所以我覺得沒有一定要做到哪一個程度，兩種方法都可以。
── 最後，你最期待和什麼樣的台灣音樂人合作？如果是剛開始創作、還沒有太多資源或預算的人，也有機會和你一起製作音樂嗎？
野間康介：我想和創作歌手合作。我覺得創作歌手自己寫出來的旋律，會很直接地帶出那個國家、那個地方的特色。語言也是，歌詞裡會出現那個人的生活。
台灣有台灣的旋律，日本有日本的旋律，美國也有美國的旋律。每個國家都有自己的音階、自己的旋律轉折，那是和我們原本擁有的感性不一樣的東西，所以我很期待遇到這些東西。
但另一方面，也有一些旋律是不管在哪裡，大家都會有反應的。就像吃到好吃的東西，不管是哪一國的人都會笑一樣，音樂也有所有人都能理解的共通點。
至於預算，我不會只用這個判斷。反過來說，就算是一個很有資歷、預算也很多的人，如果我聽完覺得「這個可能不適合我」，我也會拒絕。但就算沒有很多預算，只要我聽了覺得真的很好，我就會想做。
不是因為錢。如果我聽了覺得很好，我就會想一起創作。
從錄音室裡的創作，到舞台上的現場演出，野間康介重視的是音樂人本身的個性以及可能性。對於未來與台灣音樂人的合作，他也抱持著開放的態度。或許不久之後，我們就有機會在台灣音樂人的作品中，聽見野間康介帶來的不同聲音。
Photo credit : Lewis Shih
